Меню

Как называется выставка современного искусства

Словарь терминов современного искусства, адаптированный к российско реальности. Буквы Ж, З, И

Жанр современного искусства -совокупность формальных и содержательных особенностей произведения, понятие включает в себя как исторически сложившиеся жанры живописи, скульптуры, литературы, прикладного искусства,кино, музыки и театра, а также жанры искусства, появившиеся в ХХ веке ( инсталляция, перформанс, хеппенинг), их вариации в смешении с традиционными жанрами. С конца ХIХ века по 1960-1970е развитие искусства перестало напоминать последовательную смену стилей и направлений, потому названия многих направлений можно преобразовывать в прилагательные, добавляя их к названию жанров . Например: «Современный художник (ныне живущий художник) . работает в жанре (кубистический натюрморт, импрессионистический скульптурный портрет, экспрессивный саунд-арт, поп-арт перформанс и т.д.).

Жикле — это цифровая печать высокого качества на холсте, воспроизводящая оригинальное произведение живописи. В наши дни жикле понимается как способ создания цифровых репродукций картин.

Женское искусство — искусство, создаваемое художниками-женщинами, основным содержанием которого является роль женщин в современном изобразительном искусстве, пересмотр традиционных гендерных ролей и общественных взглядов на роль женщины в современном мире. Часто центральным образом женского искусства является образ сильной, самодостаточной, успешной женщины, способной справляться с «мужскими» задачами.

Закрытие выставки — 1. Церемония официального торжественного закрытия проекта, иногда называется финисаж. 2. Иногда словосочетание «закрытие выставки» употребляется для обозначения прекращения работы выставки по причинам: завершения времени работы экспозиции, недовольства властей, пандемии, порчи экспонатов.

Закрытый показ — первичная демонстрация фильма, видео-арта, коллекции для избранной публики с целью принятия решения о возможности показа данных произведений широкой общественности.

Зентангл — это техника рисования повторяющихся узоров, которые затем складываются в абстрактное или фигуративное изображение. Это один из видов арт-терапии, близкий к медитации. Узоры, из которых образуется картинка, называются танглами. Официально как вид творчества зентангл был зарегистрирован в 2006 году. Основателями считаются Рик Робертс (Rick Roberts) и Мария Томас (Maria Thomas). Мария Томас — художница, в том числе занимающаяся шрифтами и каллиграфией. Рик — в прошлом монах, знающий толк в медитации.

Игра — стратегия, используемая современных художниками при создании произведений искусства, кураторами при организации экспозиций выставок, используемая как инструмент вовлечения зрителя в художественное действо.

Инсталляция — пространственная композиция, из различных готовых материалов и форм (природных объектов, промышленных и бытовых предметов, фрагментов текстовой и зрительной информации) и являющую собой художественное целое. Вступая в различные неординарные комбинации, вещь освобождается от своей практической функции, приобретая функцию символическую.

Интенсив — краткосрочные курсы по освоению новой специальности в современном искусстве (арт-менеджмент, галерейное дело) или повышению квалификации (тематические интенсивы). Также могут интенсивом называют погружение в иные сферы человеческой деятельности в рамках подготовки к созданию произведений для тематического проекта.

Интервенция — практика включения произведения искусства в реальное пространство или осуществление художественной акции в публичном пространстве в вне институций. Интервенция в общественном пространстве может осуществляться как: перформанс, авторское граффити, хеппенинг, проецирование видео-арта в публичных местах, самоорганизация арт-резиденции, а также в иных формах взаимодействия с людьми и средой, где главный эффект достигается через появление искусства, там где мы не ожидаем встречи с ним. Не путать с арт-интервенцией — формой перформанса, состоящая в публичном взаимодействии художника с ранее созданным предметом искусства (разрушение, повреждение, доработка).

Интерпретация — (лат. interpretatio — толкование, разъяснение), практика восприятия смысла произведения искусства зрителем или отображение реальноcти художником в произведении искусства, подразумевающая искажения и расхождения с первоначальным замыслом в силу индивидуальности, социальной принадлежности, уровня развития, опыта.

Институция — площадка (место или онлайн-платформа), где происходит осмысление, продвижение, распространение, распределение, поощрение к созданию и экспонирование художественных произведений. Институциями является: музеи, ярмарки, галереи, биеннале, фестивали, частные коллекционеры, государственные объединения художников, организации, дающие гранты на поддержку современного искусства, онлайн-галереи, коммерческие организации, которые проводят выставки современного искусства.

Инсайт — (от англ. insightпонимание, озарение, внезапная догадка) интеллектуальное явление, суть которого состоит в неожиданном понимании стоящей проблемы и нахождение её решения. Это внезапное и не выводимое однозначно из прошлого опыта понимание существенных отношений и структуры ситуации в целом, посредством которого достигается осмысленное решение проблемы. Также этот термин может использоваться в значении « внелогическое прозрение», которое может возникнуть как в период особенно яркого порыва вдохновения, так и независимо от него. Данное понятие используется как объяснение логики творческого процесса.

Институциональность — свойство художника, критика, куратора, произведения искусства в том, что это признаётся искусством и поощряется институциями современного искусства за счёт соответствия ценностям и политике институций.

Иммерсивность — (от англ. immersive — «создающий эффект присутствия, погружения») практика погружения в определенные, искусственно сформированные условия — экспозицию выставки, художественную акцию, с помощью: визуализации окружения, размывания традиционных границ между зрителем и сценой, экспонатами, экспозицией, художником, экскурсоводом, куратором, отказа от традиционных форматов и локаций, свойственных виду искусства и его жанрам.

Читайте также:  Как называется приложение для фото с рамками

Исследование — один из компонентов содержательной части проекта в сфере современного искусства, определяющих его задачу. Исследование некой проблемы (феномена) может осуществляться куратором, художниками, зрителями, сторонними наблюдателями.

Искусство новых медиа — формы искусства, создающиеся с помощью новых технологий, использование современных технологических решений и изобретение новых. Примерами являются: саунд-арт, мультимедийное искусство, цифровое искусство, art&science, биоарт, компьютерное искусство, жанры медиа-инсталляции и медиа-перформанс

Искусство новых форм и технологий — термин, употребляемый некоторыми отечественными искусствоведами для обозначения жанров и форм искусства, появившихся в ХХ веке и искусства новых медиа.

История искусства — раздел искусствоведения и всеобщей истории, предметом изучения которого является процесс и закономерности развития искусств со времён их зарождения и до наших дней. В основу истории искусства, как раздела всеобщей истории, положены ключевые понятия, выработанные античной культурой и христианской традицией западноевропейской цивилизации. Такой вынужденный европоцентризм обусловлен прежде всего тем, что в восточных культурах существуют иные представления об историческом времени и пространстве

Искусствоведение — комплекс дисциплин, изучающих искусство(преимущественно изобразительное, ДПИ, архитектуру). Понятие ассоциируется с накоплением изучением, учетом и классификацией фактов. Включает в себя следующие разделы: история искусства как часть всеобщей истории; её предметом является «исторический фон»: выявление и изучение отдельных фактов и событий, обстоятельств создания произведений искусства, абстрагированных от общего духовного смысла художественного творчества и психологии творца; источниковедение и историография, библиография, биобиблиография, архивоведение; хронология истории искусства; топография (историческая география) искусства; итерология (литературное описание путешествий и экскурсий); археология искусства; иконография; теория и практика атрибуции произведений искусства, музейная экспертиза; техника искусства; технико-технологическая экспертиза произведений искусства; комплексные исследования, реставрация, реконструкция и реновация памятников; коллекционирование, музеефикация и хранение произведений искусства; музееведение; художественная критика, эссеистика и публицистика, популярная литература; лекционная, экскурсионная и другая просветительская деятельность; кураторство музеев и выставок, арт-дилерская, арт-менеджерская, аукционная и другая коммерческая деятельность.

Источник

10 новых течений современного искусства

Журнал об искусстве Точка ART рассказывает о 10 движениях современного искусства, которые родились в борьбе за независимость и политических конфликтах. Страйдентизм, негритюд, антропофагия и другие направления разбирает в своем обзоре главный редактор Christie’s и автор книги Global Art Джессика Лэк.

Бенгальская школа (Индия и Бангладеш, 1900-е)

В 1909 году теоретик культуры Ананда К. Кумарасвами (1877–1947) писал: «Слабость нашего национального движения заключается в том, что мы не любим Индию — вместо этого мы любим Англию, нам нравится её комфортное буржуазное процветание. Такое, которое может установиться и у нас, если мы выучим достаточно наук и забудем достаточно искусств — тогда мы сможем конкурировать с Европой».

Его мысль о порабощении Индии вызвана политическими конфликтами в индийской провинции Бенгалия. В конце 1800-х годов борьба за независимость региона была особенно обострена. В эпицентре антиимпериалистических споров находились художники из Школы искусств в Калькутте. Художники пропагандировали мистицизм современного искусства, которое опиралось на восточные техники и полностью отвергало влияние Запада.

Бенгальскую школу возглавлял Абаниндранат Тагор (1871-1951), племянник Рабиндраната Тагора (1861-1941) — поэта эпохи Возрождения и мыслителя. Паназиатское мировоззрение Тагора черпало вдохновение в искусстве более крупных континентов — в частности, в живописи Японии. Японцы работали тушью, и заимствование этой техники создало то самое удивительное качество рисунков бенгальской школы. «Бесконечное путешествие» Абдура Рахмана Чухтая и «Китайская девушка» из коллекции Джейн и Кито де Бур — пример слияния разных техник Востока.

По словам Нишада Авари, главы отдела продаж «Современного южноазиатского искусства», Бенгальская школа «оказала глубокое влияние на искусство Южной Азии», и особенно на Нандалала Бозе (1882–1966), чьё изображение Ганди стало решающим для образа борца с колонизацией — смиренного, но решительного слуги народа.

Художники, работавшие позднее и вдохновленные символизмом Бенгальской школой, причисляли к Бенгальской школе и индийского модерниста Ганеша Пайна.

Страйдентизм, Мексика, 1920-е

Одной декабрьской ночью 1921 года, на стенах домов Мехико был написан манифест. Его создатель — молодой революционный поэт Мануэль Мейплс Арсе (1900-1981). Риторика его была настолько провокационна, что, казалось, бурлила кипящей энергией победы. Манифест призывал интеллектуалов Мексики забыть о прошлом и начать жить нынешним днём. «Смерть отцу Идальго, долой Сан-Рафаэля и Сан-Лазаро!» — восклицал поэт, ссылаясь на великого героя борьбы за независимость Мексики и двух почитаемых святых. Манифест также цитирует футуристический текст Филиппо Томмазо Маринетти (1876-1944): «Автомобиль в движении намного прекраснее, чем Победа Самофракии».

Таково было рождение страйдентизма —литературного и художественного движения, которое объединило европейские модернистские течения (например, футуризм) с мексиканским модерном и ар-деко. Группе были близки левые взгляды: художники участвовали в забастовках рабочих, но, в отличие от Диего Риверы и художников-муралистов, они не стремились романтизировать мексиканскую революцию. Вместо этого страйдентисты были ярыми реформаторами, которые черпали вдохновение в фольклоре и доколумбовом искусстве. Страйдентисты жили в коммуне Веракрус, где издавался журнал «Horizonte». В 1927 году на коммуну художников напали, и движение прекратило своё существование.

Читайте также:  Как называется трап на судне

Антропофагия, Бразилия, 1920-30-е

В 1928 году поэт Освальд де Андраде (1890–1954) попытался вывести бразильское общество из культурной летаргии. Сделал он это с помощью провокационной идеологии, которую назвал антропофагией (буквально — «каннибализм»). Утверждая, что величайшая сила Бразилии — в «пожирании» своих колонизаторов, де Андраде заявил, что долг Бразилии — поглотить культуру Европы на пути к уникальности бразильского модернизма.

Жена Андраде, Тарсила ду Амарал (1886-1973), была одним из ведущих художников течения. Она училась в Париже, брала уроки у французского модерниста Фернана Леже (1881-1955) — тогда ду Амарал и обнаружила склонность парижского авангарда к анархии. Эти идеи были включены в эстетику антропофагии, характерной чертой которой стал индустриальный примитивизм — изображение плоских городских пейзажей и зданий — со смелыми красками и сюрреалистичными, похожими на сон, образами.

Антропофагия оказала огромное влияние на многих художников — особенно на тропикалистов, появившихся в Бразилии в конце 1950-х годов.

Негритюд, Франция, 1930-е

Влиятельная художественная группировка «Негритюд» родилась в Париже. Её создатели — поэты из парижской африканской диаспоры: Эме Сезар (1913–2008), Леон Дамас (1912–78) и Леопольд Седар Сенгор (1906–2001). Они начали выпускать студенческий журнал «LÉtudiant Noir» («Черный студент»), первый номер которого был опубликован в марте 1935 года. В нём — решительное, едкое эссе Сезера в ответ на западное прочтение африканской культуры и литературы.

В 1920-х годах интерес к культуре диаспоры стал очень модным в Париже. Европейские художники-авангардисты тщательно изучали и ассимилировали африканскую музыку и танцы в своё искусство, тем самым развивая новые формы модернизма. А Негритюд поставил этот процесс с ног на голову: художники объявили, что Африка и ее многочисленные диаспоры — есть истинная колыбель сюрреализма, и начали развивать свою собственную сюрреалистическую технику. Среди них были Бен Энвонву (1917-94), Вифредо Лам (1902-82) и Рональд Муди (1900-84).

В годы Второй мировой войны многие участники Негритюда покинули Европу, желая нести концепцию движения в мир. Сезар отправился на остров Мартиника, где начал выпускать журнал «Négritude». Леопольд Седар Сенгор — в Сенегал: там он стал президентом, а затем развернул общегосударственную программу по продвижению идей Негритюда в школах искусств. Его сочинения, как и поэзия Дамаса и Сезара, вдохновили многих революционеров — например, политического лидера Амилкара Кабрала.

Египетский сюрреализм, Египет, 1940-е

«Искусство и свобода» — группа сюрреалистов, возникшая в Каире в середине 1930-х годов. В 1937 году был опубликован манифест «Long Live Degenerate Art», в котором выражалось согласие группы с преследованием авангардистов в нацистской Германии.

Основанная революционным египетским поэтом Георгом Геней (1914–1973), автором диспута о самодержавной природе египетской культуры, «Искусство и свобода» освещала проблему неравенства в обществе Египта. Художники изображали жестокость — изуродованные, расчлененные тела — для того, чтобы разоблачить прогнившее египетское общество, а позже — чтобы выразить весь ужас Второй мировой войны.

Египетские сюрреалисты не принимали порядок, логику и общепринятую красоту. Сначала художники опирались на европейскую модель сюрреализма, представленную поэтом Андре Бретоном (1896-1966) и фотографом Ли Миллером (1907-77), но позже выработали свой уникальный почерк — субъективный реализм, стиль, свободный от формальных рамок и обозначений изображаемого объекта.

Прогрессивная идеология «Искусства и свободы» оставила свой след в творчестве многих художников и поэтов, в том числе и в картинах британского художника Виктора Масгрейва, а также работах фотохудожницы Иды Кар.

Калькуттская группа, Индия и Бангладеш, 1940-50-е

В 1943 году восемь амбициозных молодых художников встретились в Калькутте, чтобы обсудить кризис индийской живописи. Многие из них долгое время были последователями Бенгальской школы, но затем разочаровались — в частности, в неспособности движения признать ценность современного искусства. Являясь убежденными революционерами и анти-колониалистами, художники считали, что искусство Индии должно полностью отражать лицо нации.

«Основные члены Калькуттской группы — Субхо Тагор (1912–1885 гг.), Гопал Гозе (1913–1980 гг.) и Паритош Сен (1918–2008 гг.) — были объединены тревогой о социально-политических катастрофах в регионе», — говорит специалист Нишад Авари. «Голод, беспорядки, кризис беженцев — всё это стало следствием раздела субконтинента». «Время окружать себя божествами прошло», — писал скульптор Продош Дасгупта. «Художник больше не может быть слепым к себе и своему окружению, к своему народу и обществу».

Калькуттская группа стремилась сделать современное искусство демократичнее, освободить его от излишней элитарности. Ранние их работы были посвящены социалистическому реализму: изображали трудности повседневной жизни индийского народа. Вскоре художники начали стремиться к европейской мысли, черпая вдохновение у Пикассо, Матисса и Бранкузи. Так огненные пастели Гопала Гозе отражают синтез идей социалистического реализма и европейского экспрессионизма.

Читайте также:  Как называется тарелка для хлеба

Группа прогрессивных художников (PAG), Индия, 1940-50-е

Влиятельное, но прожившее очень короткий срок объединение прогрессивных художников (PAG), родилось в Мумбаи в 1947 году. В год, когда Индия отделилась от Англии и получила полную независимость.

Основной учредитель и представитель группы — провокационный художник Фрэнсис Ньютон Соуза (1924-2002). Харизматичный и непокорный человек, он был исключен из Школы искусств за порнографические рисунки и критику западного академизма. Вдохновляясь стремлением Калькуттской группы к обще-индийскому искусству, Соуза и его друг Сайед Хайдер Раза (1922-2016) решили создать новое течение. По словам Авари, стилистически их искусство «сочетало авангард с индийской тематикой, было наполнено религиозным и мифологическим символизмом».

Соуза и его единомышленники часто встречались в ресторане «Chetana» в богемном центре Мумбаи. В атмосфере счастья из-за обретения независимости рождались дискуссии: например, с поэтом-националистом Мулком Радж Анандом и писателем- метафизиком Раджа Рао, создателем современной англоязычной литературы Индии — о том, как должно выглядеть новое современное искусство.

Последняя выставка группы прогрессивных художников прошла в 1951 году. К этому времени Соуза и Раза переехали в Европу, а другой ключевой участник — Макбул Фида Хусейн (1915-2011), чья картина «Без названия» стала частью коллекции Джейн и Кито де Бур, бежал в Лондон из-за многочисленных угроз со стороны индуистов.

AfriCOBRA, США, 1960-е

Африканская Коммуна Плохих Художников (AfriCOBRA) была одной из самых влиятельных «black power» арт-групп в США. Она была основана в Чикаго в 1968 году. Целью AfriCOBRA стало привнести в мир новую эстетику — после жестоких убийств правозащитников Мартина Лютера Кинга и Малкольма Икса. В эссе «Ten In Search Of A Nation» основатель объединения Джефф Дональдсон (1932–2004) изложил, какой именно должна быть новая эстетика «black power». Она будет сочетать в себе влияние и Африки, и Америки. У её образов будет ритм африканской музыки, её движение. Будет яркая, разноцветная палитра, которая была бы похожа на ароматы Kool-Aid — американского безалкогольного напитка. Искусство должно сиять, «чтобы картины мерцали, как только что натёртые воском туфли». Их эстетику называли «супер-реалистичной» — она была праздничной. И, что важно, содержала в себе позитивные месседжи для «black»-сообщества. Это способствовало расширению их прав.

«AfriCOBRA» творила всю вторую половину ХХ века, но только недавно стала по-настоящему известна — благодаря таким выставкам, как «Душа нации», заново открывшим искусство эпохи «Черной силы».

Новое видение (New Vision Group), Ирак, 1960-70-е

В конце 1960-х годов в Ираке появилась новая яркая арт-сцена. Социалистическая партия Баас, пришедшая к власти после революции в 1968 году, создала в стране новую культуру. Из-за этого и возникла арт-группа «Новое видение». Основанная художником Диа Аль-Аззави (р. 1939), группа придерживалась идей панарабского единства: художники призывали к новому арабскому модернизму.

Модернизм связывал художников идеологически и культурно. Идеология панарабизма стала ключом к объединению и модернизации всего арабоязычного мира. Для художников это стало мощной концепцией, которая могла помочь в развитии новых форм арабского искусства.

Художники «Нового видения» использовали такую форму абстрактной живописи, которая включала арабский алфавит — стиль, известный как Хуруфийя. Он, по их мнению, символизировал идеалы панарабизма. К сожалению, расцвет искусства в Ираке был недолгим, и когда баасистский режим превратился в диктатуру, окончательно завял. Последняя выставка «Нового движения» была организована в Бейруте в 1972 году, после чего объединение распалось. Его идеолог — Аль-Аззави — был изгнан в Великобританию.

Борись с цензурой (Fight Censorship), США, 1970-е

Анита Штекель (1930-2012), основательница арт-группы, определённо была женщиной действия. Художница-феминистка и подруга Марлона Брандо не раз сталкивалась с лицемерием, и в 1973 году она основала Fight Censorship Group — это стало ответом на очередную попытку закрыть ее выставку в Rockland Community College в Нью-Йорке.

Штекель представляла женскую точку зрения на секс, и помещала в свои работы эротические образы. На экспозиции в Сафферне были выставлены наиболее противоречивые её творения — например, изображения эрегированных пенисов. На попытки цензурировать выставку она ответила созданием группы художниц-феминисток под названием Fight Censorship.

Целью объединения стала борьба с дискриминацией сексуального в творчестве женщин. Штекель разослала гневные письма в журналы, заявляя, что «если эрегированный пенис достоин быть внутри женщины, то он более чем достоин выставляться в величайших художественных музеях». Среди тех, кто подписался под словами Штекель, были Луиза Буржуа, Ханна Уилк и Джоан Семмель. Объединение одержало победу: историки и кураторы начали переосмыслять историю западного искусства и поднимать вопросы об отсутствии в нём женского взгляда.

Еще один материал от аукционного дома Christie’s в нашем журнале: Моне, Климт, Ренуар и другие: самые красивые сады в живописи — как художники по всему миру находили утешение и вдохновение в изображение садов.

Перевод оригинальной статьи Christie’s : Александра Березовская

Источник